Objet d'étude : Le théâtre du XVIIe au XXIe siècle

double énonciation — Au théâtre, toute parole s'adresse à deux destinataires en même temps : un personnage sur la scène, et le public devant elle. C'est le principe qui fonde tous les effets du genre. L'aparté est une parole que le public entend et qu'un personnage n'entend pas ; le quiproquo naît de ce que le public sait ce qu'un personnage ignore ; l'ironie tragique en est la version noire — le spectateur voit venir ce que le héros ne voit pas.

Le théâtre du XVII^e siècle obéit à cinq contraintes. Les trois unités : un jour, un lieu, une intrigue. La vraisemblance : rien ne doit sembler impossible au spectateur. La bienséance : ni sang, ni mort, ni geste choquant sur la scène — on les rapporte par un récit. Boileau les résume en 1674 : « Qu'en un lieu, qu'en un jour, un seul fait accompli / Tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli. »

tragédie et catharsis — La tragédie met en scène des personnages de haut rang, en vers, aux prises avec une fatalité qu'ils ne peuvent pas fléchir. Aristote lui assigne une fonction : la catharsis, la purgation des passions. En éprouvant la terreur et la pitié devant le malheur d'un autre, le spectateur s'en libérerait. Chez Racine, la fatalité prend le visage de la passion : Phèdre ne lutte pas contre les dieux, elle lutte contre elle-même — et perd.

comédie — La comédie met en scène des bourgeois, des valets, des pères et des amoureux, en prose ou en vers, et se termine bien — souvent par un mariage. Molière lui donne une devise : castigat ridendo mores, « elle corrige les mœurs en riant ». Ses ressorts sont identifiables : le comique de mots (répétition, patois, jargon), de gestes, de situation (quiproquo, cachette) et de caractère (l'avare, le malade imaginaire).

Trois fonctions se répondent depuis l'Antiquité, et un même spectacle les remplit souvent toutes. La catharsis : éprouver terreur et pitié devant un malheur qui n'est pas le sien, et s'en trouver allégé. Le plaisir esthétique : la beauté du vers, la virtuosité d'un comédien, la surprise d'une mise en scène — le théâtre est aussi une fête. La critique sociale : montrer une société sur une scène, c'est la donner à juger, et c'est pourquoi le théâtre a toujours été surveillé. Tartuffe fut interdit cinq ans.

Ce qu'il faut regarder avant d'interpréter

1. La place de la scène : exposition, nœud, dénouement ? Une scène d'exposition informe le public ; une scène de dénouement dénoue. On ne leur demande pas la même chose.
2. La distribution de la parole : qui parle le plus, qui coupe qui ? Une tirade installe un rapport de force ; la stichomythie — répliques d'un vers, échangées coup pour coup — signale l'affrontement.
3. Ce que le public sait et qu'un personnage ignore. C'est là que se logent le rire et l'effroi.un quiproquo n'existe que pour le spectateur : les personnages, eux, ne s'aperçoivent de rien.
4. Le passage à la scène : quelle mise en scène ce texte autorise-t-il ? Proposer deux options opposées est souvent la meilleure façon de prouver qu'on a compris le texte.

Analyser la réplique d'Harpagon découvrant le vol de sa cassette : « Je suis perdu, je suis assassiné, on m'a coupé la gorge, on m'a dérobé mon argent ! » (Molière, L'Avare, 1668, IV, 7).

1. Le relevé : quatre propositions juxtaposées, sans conjonction, dans une gradation — perdu, assassiné, égorgé, volé.
2. Le procédé : l'hyperbole appliquée à un vol d'argent, et une gradation qui redescend. Les trois premiers termes annoncent la mort ; le quatrième révèle qu'il ne s'agit que d'une cassette.
3. L'effet : le comique naît de l'écart entre les mots et la réalité, que le spectateur voit d'un coup d'œil — l'homme qui se dit assassiné se tient debout devant lui.
4. Le sens : la gradation dit la vérité du personnage. Pour Harpagon, perdre son argent est mourir ; l'hyperbole n'est pas une exagération, c'est sa mesure exacte du monde.c'est ce dernier temps qui distingue une analyse d'un relevé : le procédé cesse d'être un ornement pour devenir un portrait.

une réplique, un procédé, et un caractère entier

Lire une didascalie

1. Distinguer ce qu'elle règle : une entrée ou une sortie, un geste, un ton, un décor, un accessoire. Chacune n'engage pas la même chose.
2. Se demander ce qu'elle interdit. Une didascalie qui précise froidement ferme une porte : le metteur en scène ne pourra pas jouer la scène avec chaleur sans contredire l'auteur.
3. Mesurer leur densité. Chez Racine elles sont presque absentes — tout passe par le vers. Chez Beckett elles occupent des pages : le corps y dit ce que le langage ne dit plus.ce déplacement, du texte vers le geste, est l'un des grands faits de l'histoire du théâtre.
4. Ne jamais les sauter à la lecture. Un accessoire mentionné une fois — une cassette, un mouchoir, une chaussure — est presque toujours le ressort de la pièce.